"Один из методов изучения техник масляной живописи в старших классах художественных школ"
Методическая разработка
Автор: Шорстова Надежда Александровна, преподаватель художественного отделения, МБОУ ДОД "Красненская школа искусств", село Новоуколово, Красненский район
В раздел дополнительное образование
Один из методов изучения техник масляной живописи в старших
классах художественных школ
Автор: Надежда Шорстова, преподаватель художественного отделения
МБОУ ДОД «Красненская школа искусств», село Новоуколово, Красненский
район
Путь развития техник масляной живописи насчитывает несколько
столетий. Старинная масляная живопись отличается от современной и
составом многих лакокрасочных материалов, и способом их нанесения, то
есть техникой. Впервые масляная живопись появилась в эпоху Возрождения в
Европе. Из истории масляной живописи известны: смешанный способ
живописи (темпера и масло), фламандский метод, итальянский.
Обращаясь к истории развития и совершенствования техники масляной
живописи, к советам старых мастеров, можно предложить учащимся
старших классов художественных школ начать знакомство с масляной
живописью уже исторически сложившимся путём: от гладкой манеры
живописи – к пастозной. Начиная с гладкой лессировочной техники, важно
изучить при этом свойства красок (прозрачные лессировочные и
непрозрачные кроющие масляные краски). Лессировки накладываются
слоями друг на друга после полного высыхания каждого слоя. Единственное
неудобство этой техники – длительность. Ведь очень важно дождаться
полного высыхания слоёв иначе ожидаемый эффект не наступит, а
технология ведения работы будет нарушена.
Хорошим стимулом к работе может послужить натуральная постановка,
организованная педагогом, а точнее «воссозданная» по мотивам работ
известных мастеров соответствующей эпохи. Теоретические лекции о
свойствах материалов, о способах нанесения их на холст, порядок ведения
работы от подготовительного рисунка до завершающего этапа и другие
тонкости масляной живописи хорошо закрепить на практике, вообразив себя
на время урока учеником, например, фламандского художника. Старая утварь,
муляжи лимонов и рыбы, особый колорит и фактура предметов, драпировок (лён и шёлк) – всё это имеет очень важное значение в создании образа «старого» натюрморта. Это будет не копия. Это будет образ определённой эпохи. Можно попытаться. В процессе самой работы помогут советы мастеров даже другой школы. Например, Шарден, непревзойдённый гений натюрморта, говорил: «Я кладу краски до тех пор, пока не становится похоже», а Сезанн писал: «Я хочу создать образ», что в нашем случае очень важно. На самом деле лучше всего художник выражает себя самыми простыми средствами. Гладкая манера письма хороша тем, что позволяет копировать натуру. Это необходимо, особенно для начинающих живописцев. Анри Матисс считал, что люди, нарочито стилизующие натуру или намеренно отклоняющиеся от её природы, уходят от истины. Когда художник рассуждает, он должен отдавать себе отчёт, что его картина условна, но когда он пишет, он должен верить, что копирует натуру. И даже, когда он отходит от неё, он должен быть убеждён, что делает это ради того, чтобы лучше её передать. Первый этап в работе над натюрмортом – композиционное расположение предметов и закрепление рисунка. Второй этап – это подмалёвок, который начинают с самых тёмных тонов без добавления белил. Прокладка теней также ведётся без белил. Старые мастера считали, что весь секрет живописи – в тенях и полутонах; свет только дополняет общий колорит холста. Ближайшие полутона также прокладываются без белил по смазанному маслом холсту. Как правило, тени сравниваются с тенями по силе по силе тона и по красочности оттенка, полутона с полутонами и светлые тона – со светлыми. Итак, работа над нашим пробным «старым» натюрмортом ведётся от тёмного к светлому. При этом, обучающимся необходимо напомнить о цельности видения, ведь мастерство художника состоит в том, чтобы во
время работы держать все оттенки в поле зрения. Говоря о цельности изображения, о кладке мазка, нельзя не вспомнить снова великого Шардена. Художник должен чувствовать форму любого предмета, кистью следовать за этой поверхностью. Форма, направление и характер мазка зависят от характера поверхности, будь то предмет или любой другой объект. В гладкой манере письма художники стали пользоваться и таким свойством мазка, как мазок, положенный «пастозно», то есть густо. Он приближает изображение поверхности предмета к зрителю. В то время как мазок, положенный тонко и гладко, отдаляет поверхность предмета. Это открытие позволило создавать впечатление реальности пространства. Не стоит забывать опыт живописцев нового времени, его также нужно изучать и не только теоретически. Ведь давно замечена связь между техникой живописи, использованной художником, и его темпераментом. Не все склонны к гладкой манере письма по своему складу характера. Поэтому можно предложить обучающимся ещё один интересный художественный опыт. Этот опыт позволит изучить новый подход к технике масляной живописи, познакомиться с иным художественным мировоззрением и выяснить: «Какая техника мне ближе?» Весьма показательными примерами могут послужить произведения французских художников начала XX века, а также русских кубо-футуристов или представителей «Бубнового валета». Возьмём, например творчество Петра Петровича Кончаловского. Живопись для него, по словам современников, всегда была синонимом радости бытия. Он считал, что художник должен наслаждаться, созерцая окружающий мир, и ещё больше наслаждаться при воссоздании его красоты красками на холсте. Само сочетание красок, их вязкость – здесь всё имело большое значение. Вместе с тем Кончаловский работал над созданием особой системы, разрешая эту задачу в своём творчестве. Для этого лучше всего подходили именно натюрморты. Педагогу для решения учебных и одновременно творческих задач лучше всего снова воспользоваться жанром
натюрморта. Возможно, снова прибегнуть к постановке-образу. Проанализируем несколько натюрмортов Кончаловского, для которых характерна насыщенная гармония красок. Натюрморт долгое время выступает как главный жанр в его творчестве и экспериментах. Художник даже прибегает к приёмах коллажа в «Сухих красках» в 1912 году. Работы этого периода декоративны и насыщены. Наиболее законченное произведение натюрмортного жанра, по словам Д.В. Сарабьянова, - это «Агава», написанная в 1916 году. Кончаловский часто использует активные цветовые контрасты, концентрирует их в центре. Он удивительным образом соединяет в одном пространстве красный, зелёный, жёлтый и синий. Серый же и коричневый цвета играют успокаивающую, нейтрализующую и объединяющую функции. При таком напряжённом контрасте всё же сохраняется равновесия частей. При художественном анализе, произведённом самостоятельно или при помощи искусствоведческой литературы, складывается собирательный образ эпохи. Его можно воссоздать в классной натурной постановке: подобрать с большой точностью предметы, драпировки, репродукции. Вещи приобретают а глазах художника ценность не всегда из-за смыслового значения, а часто из- за своих пластических качеств. Во всяком случае, так считали фовисты и кубо-футуристы, хотя их пластический язык был различным. Интерес к предмету, массе, объёму, вылепленному цветом, плотными широкими мазками, попытка передать трёхмерную форму – это также интересная задача! Наша новая «постановка – образ» - натюрморт яркого колорита с кистями, красками, палитрой (по мотивам «Сухих красок» Кончаловского). Предлагаемы метод работы по изучению техник масляной живописи может показаться странным, но в таком подходе есть смысл. Конечно, эти задания стоит выполнять с уже подготовленными учащимися, имеющими представления о масляных красках, их свойствах, неоднократно работавших с данным материалом. Этот метод, метод своеобразного погружения в эпоху,
позволит осуществить межпредметные связи, непосредственно применить на практике полученные знания, перекинуть мостик от теории к практике. Теория перестанет быть сухой и отвлечённой, а практика станет более осознанной и интересной. Возможно, такие практические занятия следует планировать совместно или в сотрудничестве с педагогом по истории искусства. Приведённый ряд примеров и заданий может варьироваться и расширяться по усмотрению педагогов. Выбор художников для изучения техник, и не только живописных, - вся история живописи и изобразительного искусства.
муляжи лимонов и рыбы, особый колорит и фактура предметов, драпировок (лён и шёлк) – всё это имеет очень важное значение в создании образа «старого» натюрморта. Это будет не копия. Это будет образ определённой эпохи. Можно попытаться. В процессе самой работы помогут советы мастеров даже другой школы. Например, Шарден, непревзойдённый гений натюрморта, говорил: «Я кладу краски до тех пор, пока не становится похоже», а Сезанн писал: «Я хочу создать образ», что в нашем случае очень важно. На самом деле лучше всего художник выражает себя самыми простыми средствами. Гладкая манера письма хороша тем, что позволяет копировать натуру. Это необходимо, особенно для начинающих живописцев. Анри Матисс считал, что люди, нарочито стилизующие натуру или намеренно отклоняющиеся от её природы, уходят от истины. Когда художник рассуждает, он должен отдавать себе отчёт, что его картина условна, но когда он пишет, он должен верить, что копирует натуру. И даже, когда он отходит от неё, он должен быть убеждён, что делает это ради того, чтобы лучше её передать. Первый этап в работе над натюрмортом – композиционное расположение предметов и закрепление рисунка. Второй этап – это подмалёвок, который начинают с самых тёмных тонов без добавления белил. Прокладка теней также ведётся без белил. Старые мастера считали, что весь секрет живописи – в тенях и полутонах; свет только дополняет общий колорит холста. Ближайшие полутона также прокладываются без белил по смазанному маслом холсту. Как правило, тени сравниваются с тенями по силе по силе тона и по красочности оттенка, полутона с полутонами и светлые тона – со светлыми. Итак, работа над нашим пробным «старым» натюрмортом ведётся от тёмного к светлому. При этом, обучающимся необходимо напомнить о цельности видения, ведь мастерство художника состоит в том, чтобы во
время работы держать все оттенки в поле зрения. Говоря о цельности изображения, о кладке мазка, нельзя не вспомнить снова великого Шардена. Художник должен чувствовать форму любого предмета, кистью следовать за этой поверхностью. Форма, направление и характер мазка зависят от характера поверхности, будь то предмет или любой другой объект. В гладкой манере письма художники стали пользоваться и таким свойством мазка, как мазок, положенный «пастозно», то есть густо. Он приближает изображение поверхности предмета к зрителю. В то время как мазок, положенный тонко и гладко, отдаляет поверхность предмета. Это открытие позволило создавать впечатление реальности пространства. Не стоит забывать опыт живописцев нового времени, его также нужно изучать и не только теоретически. Ведь давно замечена связь между техникой живописи, использованной художником, и его темпераментом. Не все склонны к гладкой манере письма по своему складу характера. Поэтому можно предложить обучающимся ещё один интересный художественный опыт. Этот опыт позволит изучить новый подход к технике масляной живописи, познакомиться с иным художественным мировоззрением и выяснить: «Какая техника мне ближе?» Весьма показательными примерами могут послужить произведения французских художников начала XX века, а также русских кубо-футуристов или представителей «Бубнового валета». Возьмём, например творчество Петра Петровича Кончаловского. Живопись для него, по словам современников, всегда была синонимом радости бытия. Он считал, что художник должен наслаждаться, созерцая окружающий мир, и ещё больше наслаждаться при воссоздании его красоты красками на холсте. Само сочетание красок, их вязкость – здесь всё имело большое значение. Вместе с тем Кончаловский работал над созданием особой системы, разрешая эту задачу в своём творчестве. Для этого лучше всего подходили именно натюрморты. Педагогу для решения учебных и одновременно творческих задач лучше всего снова воспользоваться жанром
натюрморта. Возможно, снова прибегнуть к постановке-образу. Проанализируем несколько натюрмортов Кончаловского, для которых характерна насыщенная гармония красок. Натюрморт долгое время выступает как главный жанр в его творчестве и экспериментах. Художник даже прибегает к приёмах коллажа в «Сухих красках» в 1912 году. Работы этого периода декоративны и насыщены. Наиболее законченное произведение натюрмортного жанра, по словам Д.В. Сарабьянова, - это «Агава», написанная в 1916 году. Кончаловский часто использует активные цветовые контрасты, концентрирует их в центре. Он удивительным образом соединяет в одном пространстве красный, зелёный, жёлтый и синий. Серый же и коричневый цвета играют успокаивающую, нейтрализующую и объединяющую функции. При таком напряжённом контрасте всё же сохраняется равновесия частей. При художественном анализе, произведённом самостоятельно или при помощи искусствоведческой литературы, складывается собирательный образ эпохи. Его можно воссоздать в классной натурной постановке: подобрать с большой точностью предметы, драпировки, репродукции. Вещи приобретают а глазах художника ценность не всегда из-за смыслового значения, а часто из- за своих пластических качеств. Во всяком случае, так считали фовисты и кубо-футуристы, хотя их пластический язык был различным. Интерес к предмету, массе, объёму, вылепленному цветом, плотными широкими мазками, попытка передать трёхмерную форму – это также интересная задача! Наша новая «постановка – образ» - натюрморт яркого колорита с кистями, красками, палитрой (по мотивам «Сухих красок» Кончаловского). Предлагаемы метод работы по изучению техник масляной живописи может показаться странным, но в таком подходе есть смысл. Конечно, эти задания стоит выполнять с уже подготовленными учащимися, имеющими представления о масляных красках, их свойствах, неоднократно работавших с данным материалом. Этот метод, метод своеобразного погружения в эпоху,
позволит осуществить межпредметные связи, непосредственно применить на практике полученные знания, перекинуть мостик от теории к практике. Теория перестанет быть сухой и отвлечённой, а практика станет более осознанной и интересной. Возможно, такие практические занятия следует планировать совместно или в сотрудничестве с педагогом по истории искусства. Приведённый ряд примеров и заданий может варьироваться и расширяться по усмотрению педагогов. Выбор художников для изучения техник, и не только живописных, - вся история живописи и изобразительного искусства.
В раздел дополнительное образование