Игра в ансамбле — как способ развития музыкально-творческих

способностей учащихся в процессе обучения в ДМШ

Бенько Ю.В, Бенько И.Д.

Игра

в

ансамбле

-

один

из

самых

действенных

способов

музыкально-

творческого развития школьников в процессе обучения в ДМШ. Приобщение к

музыкальной

культуре

посредством

знакомства

с

разнообразной

музыкой,

с

творчеством

композиторов

разных

стран

и

эпох,

формирование

основных

музыкальных способностей в процессе коллективного исполнения – вот основная

цель музыкального обучения в классе ансамбля.

В классе ансамбля реализуются и развиваются базовые навыки, полученные в

индивидуальных занятиях. Игра в ансамбле более активно развивает музыкальные

способности учащихся, способствует формированию широкого круга интересов и

воспитанию

художественного

вкуса

в

целом.

Единая

природа

всех

этих

инструментов обуславливает общность задач обучения:

- решение коммуникативных задач (совместное творчество учащихся одинакового

и различного возраста, умение общаться в процессе совместного музицирования,

оценивать игру друг друга и стремиться выполнять коллективную художественно-

музыкальную задачу);

- развитие эмоциональности, памяти, мышления, воображения, метроритмической

стабильности и творческого взаимодействия при игре в ансамбле;

- формирование исполнительских навыков для ансамблевого музицирования;

- развитие чувства ансамблевого партнерства, артистизма и музыкальности;

-обучение

навыкам

самостоятельной

домашней

работы,

работой

над

импровизационным соло;

-приобретение

опыта

публичных

выступлений;

расширение

музыкального

кругозора

учащегося

путем

ознакомления

с

эстрадно-джазовой

музыкой,

понимания ее выразительных возможностей исполнения в ансамбле.

Основной организационной формой учебного процесса являются групповые

занятия

и

самостоятельная

домашняя

подготовка,

а

способом

проверки

результатов – участие в концертных выступлениях, фестивалях и конкурсах.

Музицирование

в

ансамбле

—

один

из

самых

действенных

способов

развития

музыкально-творческих

способностей

учащихся.

Степень

его

практической реализации очень высока, так как наличие в каждой музыкальной

школе

одного

или

нескольких

ярких,

мобильных

концертных

коллективов

отвечает современным требованиям культурной жизни.

Особенности работы с эстрадно-джазовым ансамблем.

Приступая к созданию эстрадно-джазового ансамбля в ДМШ, мне необходимо

было

решить

ряд

организационных

вопросов.

Как

правило,

коллектив

формируется

с

учетом

материальной

базы

учреждения,

в

котором

создаётся

ансамбль, поскольку наличие инструментов, электронной аппаратуры, условий для

проведения занятий значительно влияет на определение состава, характер учебно-

воспитательного и творческого процесса. Это одна из первых и важных проблем,

так

как

комплектование

ансамбля

является

основой,

с

которой

начинается

организация, а затем и учебно-творческая работа с коллективом.

Мы знаем, что ансамбль - это вид совместного музицирования, которым

занимались во все времена. В каждой музыкальной школе существует множество

разнообразных ансамблей. Составы ансамблей могут быть разные, в зависимости

от набора учащихся на те или иные инструменты. Некоторые учащиеся старших

классов могут быть участниками нескольких ансамблей (ритм-группа, солисты),

это форма «шефской» помощи старших учащихся – младшим, очень нужная и

полезная

форма

воспитательной

работы;

через

такую

форму

отношений

передаются традиции класса, формируется нравственно-психологический климат

творческого содружества.

Кроме инструментального состава, подбор участников ансамбля должен

осуществляться и по уровню подготовленности учащихся. Участники ансамбля

должны быть равны по своей музыкальной подготовке и владению инструментом,

в этом случае занятия проходят более результативно и интенсивно.

На начальном этапе обучения формируется навык слушания партнера,

взаимодействия

с

ним

в

едином

времени

исполнения,

происходит

активный

подбор

ритм-группы

и

отработка

чувства

устойчивого

взаимодействия

аккомпанирующих инструментов (ударные и бас-гитара, или бас-гитара, ударные,

фортепиано,

синтезатор);

задача

одна

–

создание

хорошей

аккомпанирующей

метроритмической

группы

с

общим

пониманием

своей

роли

в

ансамблевых

композициях и взаимодействия с солистами.

Основу начального ансамблевого репертуара составляют несложные эстрадно-

джазовые

произведения,

популярные,

доступные

для

детей

по

музыкальному

языку

и

несложным

гармониям.

Основной

путь

-

это

путь

постепенного

накопления и осмысления музыки, естественного привыкания к ней, получения

слухового

удовольствия.

Такая

направленность

работы

дает

успешный

эмоциональный результат начального этапа обучения, формирует залог будущих

успехов и желание заниматься.

На последующем этапе, в средних классах, когда уже накоплен определенный

игровой опыт в аккомпанементе

- программы ансамблей усложняются, пьесы

увеличиваются в размерах, усложняется их форма, стилистическая и

жанровая

основа, идет серьезная работа по подготовке импровизационных соло.

Уже во время настройки ансамбля в начале занятия проявляется навык чистого

интонирования.

Поэтому

с

первых

занятий

следует

приучать

участников

самостоятельно настраивать инструмент. Хороший результат дает интонирование

аккордов

в

ансамбле.

Это

задача

более

сложная,

решение

ее

требует

от

руководителя известного педагогического мастерства. Начинать надо с простых

трезвучий,

затем

переходить

к

их

обращениям.

Настройку

ансамбля,

интонационный

строй

целесообразно

сочетать

с

элементами

музыкальной

грамоты.

Ритмическое разнообразие в гаммах, арпеджио имеет определенную цель

—

подготовить

к

исполнению

произведений

с

тем

или

иным

характерным

ритмом.

Например,

игра

гамм

в

синкопированном

ритме

помогает

исполнять

пьесы, в которых синкопы являются основой ритмического движения.

Формирование

музыкальности в групповой игре должно происходить с

самого

начала.

Особое

внимание

должно

уделяться

на

репетициях

звуковому

балансу.

Гармоничное

соединение

динамики

звучания

своего

инструмента

с

другими - один из

важнейших критериев воспитания музыкальной звуковой

культуры (индивидуальной и коллективной) в ансамблевом исполнении. Звуковая

культура ансамбля – один из показателей исполнительского уровня ансамбля. В

этой связи полезно привлекать внимание учащихся к прослушиванию лучших

примеров исполнения эстрадной и джазовой музыки мастерами-исполнителями -

инструменталистами и вокалистами.

С самого начала предметом постоянного внимания преподавателя должна стать

работа

над

правильной

метроритмической

организацией

ансамблевой

игры,

синхронностью взаимодействия всех исполнителей в общем игровом времени и в

ритм-группе. Особая тщательная работа должна производиться над правильным

звуковым

балансом

соединения

партий

на

всех

репетициях,

одинаковой

фразировкой,

штрихами,

передачей

музыкальной

интонации,

умением

вместе

начинать фразу и вместе заканчивать ее.

Техническая сторона исполнения зависит от индивидуальных занятий детей

и успехов в классе специальности: исполнения гамм, упражнений, этюдов, пьес,

различной

штриховой

работы,

способов

звукоизвлечения.

Важной

задачей

преподавателя становится обучение учеников самостоятельной работе: умению

отрабатывать

проблемные

технические

стороны

исполнения

своей

партии,

сольные фрагменты партий.

При этом самостоятельная работа должна быть

регулярной, системной и добросовестной.

В метроритмическом развитии детей работа должна начинаться с ровного и

четкого

исполнения

целых

длительностей,

половин,

четвертных,

восьмых,

триолей, сначала

- в непрерывном движении на короткое время, затем - время

увеличивается (темпы разные), следом - в общее движение добавляются паузы.

Вариантов комбинаций много. Цель - достигнуть ровного длительного движения с

самоконтролем над исполнением, в котором различные ритмические комбинации

не будут тормозить игровое время. Особое место в занятиях ансамбля занимает

работа над исполнением различных видов синкоп. Освоение синкоп нередко для

многих учеников проходит с трудностями. Существуют специально разработанные

метроритмические

методические

пособия

(зарубежные

и

отечественные)

по

освоению разного вида синкоп, работы с особыми видами деления длительностей.

В помощь данному виду работы мною используются метроном, электронный

ритм-бокс.

Важное место в групповых занятиях занимает работа над динамикой и

качеством

звука.

Участник

ансамбля

должен

не

только

владеть

основными

динамическими нюансами— пианиссимо, пиано, меццо-форте, фортиссимо, но и

уметь сопоставлять звучания различной силы, постепенно ослаблять и усиливать

звучание от определенной начальной и конечной силы звука, уметь воспроизвести

длительное и быстрое звуковое нарастание. На первых занятиях целесообразно

работать

над

упражнениями,

написанными

в

медленном

темпе,

постепенно

переходя к освоению всей палитры нюансов от пианиссимо до фортиссимо.

Значимую

роль

в

создании

художественного

образа

играет

построение

единой фразировки. Грамотное интонирование мотивов, выстраивание развития

музыкальной

мысли,

подчинение

развития

каждой

партии

общему

художественному замыслу – вот задачи которые должен ставить перед собой

руководитель ансамбля. Таким образом, работа над единым звучанием ансамбля

помогает индивидуальному творческому развитию каждого участника. Однако все

музыкально-исполнительские

трудности,

преодолеваемые

руководителем

ансамбля

на

практике,

являются

лишь

инструментами

для

выполнения

более

важных задач возникающих в процессе обучения игре в ансамбле.

Одной

из

немаловажных

составляющих

процесса

работы

с

ансамблем

является подбор репертуара. В репертуар школьного ансамбля можно включить

музыку самых разных жанров: классическую, народную, эстрадную, джазовую.

Каждый педагог должен опираться на свой художественный вкус и здравый смысл,

ведь не все произведения будут звучать в переложении для детского ансамбля

одинаково хорошо. Особенно это касается классических произведений, ведь их

аранжировка

требует

бережного

отношения.

Важность

обращения

к

классическому

репертуару

обусловлена,

прежде

всего,

его

художественной

ценностью.

Обращение

к

классике

обогащает

музыкальный

и

эстетический

кругозор ученика.

В заключение ещё раз отмечу, что начинать занятия в классе ансамбля

следует с доступных детям произведений, в игре которых технические трудности

преодолеваются

сравнительно

легко,

а

все

внимание

направляется

на

художественные

цели.

При

этом

ученик

проявляет

повышенный

интерес

к

занятиям и получает удовольствие от результатов своей работы.

Задачи

руководителя ансамбля далеко выходят за рамки воспроизведения

готового нотного текста. Помимо чисто исполнительских функций они включают в

себя

еще

и

функции

инструментовщика

(выбор

тембра

инструментов),

аранжировщика

(уточнение

фактуры,

гармонии,

сочинение

импровизаций),

звукорежиссера

(установка

правильного

баланса

голосов,

подбор

звуковых

эффектов). Здесь перед руководителем встает проблема создания оригинальных

аранжировок.

Остановимся

подробнее

на

этой

проблеме.

Аранжировкой

называется

переложение музыкального произведения для иного по сравнению с оригиналом

состава исполнителей. Таким образом, это синтез оригинала (нотный текст или

звуковой текст, если аранжировка делается по слуху) и звукового потенциала

инструментального

ансамбля.

В

художественной

практике

это

осуществляется

одновременно, и этот процесс составляет единое целое.

Работа

над

проектом

аранжировки

начинается

с

анализа

оригинала

и

определения

путей

развития

новой

структуры.

Художественно-образное

содержание

музыкального

произведения

можно

условно

разделить

на

три

основных

уровня:

жанровый,

драматургический

и

интонационный.

Жанровые

особенности

оригинала

и

общая

направленность

аранжировки

обуславливают

выбор стиля, жанра будущего произведения. Точное попадание в жанр определяет

успех аранжировки.

На драматургическом уровне проект аранжировки должен быть цельным,

содержать «яркие» события, чтобы удержать внимание слушателя, и в то же время

органичным,

исключающим

появления

разрывов

музыкальной

мысли,

резких,

неоправданных поворотов, разрушающих логику развития. И главная задача здесь

-

выстроить

увлекательный

«музыкальный

сюжет».

При

работе

над

третьим

уровнем аранжировки важно увидеть целостный образ художественного решения,

где

для

каждого

элемента

будущей

структуры

(тембр,

фактура,

гармония)

существует своя «ниша выразительности», что и определяет направление отбора

конкретных звуковых средств.

Помимо

опыта

практической

деятельности

аранжировщику

нужны

и

специфические

музыкальные

знания

по

гармонии,

особенностям

построения

фактуры, инструментовке, музыкальной форме. Объем и характер этих знаний

определяется

уровнем

образования

и

наличием

практического

опыта

их

применения.

Подводя

итог

всему

вышесказанному,

следует

сказать,

что

не

существует

правильных

или

неправильных

способов

написания

аранжировки.

Каждый проект носит индивидуальный характер.

Прежде чем приступать к разговору о технической стороне выполнения

аранжировки необходимо выделить несколько основных понятий, которые часто

встречаются при работе над ней. Это мелодия, гармония, ритм. Именно они

формируют фактуру в аранжировке. Основу любой композиции составляет ритм,

поэтому

первым

делом

уделите

внимание

ритм-секции.

Здесь

основным

недостатком

аранжировки

могут

стать

чересчур

длинные,

неинтересные

вступления, вставки и проигрыши, не подходящие по жанру или стилю. Многие

проекты

были

испорчены

ведущим

рифом,

исполненным

во

всех

частях

произведения,

а

так

же

скучной

последовательностью

аккордов

повторенной

многократно. Именно ритм играет очень важную роль во всех элементах фактуры.

Основу любой музыкальной композиции составляет мелодия. Практически

всё в аранжировке должно быть подчинено мелодий. К ней можно добавить

подголоски или обыгрывания в сопровождающих голосах, но не следует забивать

ими мелодию, лучше проводить подголоски во время длинных нот. Мелодия

застыла, а вы дополнили, продолжили или ответили ей. Причем лучше писать

подголосок или выше или ниже самой мелодии, желательно другим инструментом,

тембром, четко проводя границы – это мелодия, а вот это подголосок.

Одной из ошибок может стать одновременное исполнение ведущей мелодии

несколькими инструментами, занимающими одну и ту же часть аудио спектра и

играющими с одинаковой динамикой. Отдельные инструменты становятся плохо

узнаваемыми, не выделяются звучанием из других, что приводит к закрытому

звуку. Качество любой инструментовки состоит в том, чтобы легко слышать любой

инструмент. Для этого необходимо поместить инструменты в разные части аудио

спектра

с

минимальным

перекрытием

по

частотам,

чтобы

тембр

каждого

инструмента

был

хорошо

различим.

Не

стоит

заполнять

все

образовавшиеся

паузы. Гораздо эффектней будет звучать переход мелодии от одного инструмента к

другому. Если вы пишете длинную композицию, то не забывайте, что мелодия

может переходить из регистра в регистр, а еще можно включать ее отдельные

фрагменты в соло.

Можно расцвечивать мелодию и с помощью гармонии, но для этого надо

знать, как это сделать. Если вы пытаетесь помочь мелодии, меняя аккорды каждую

секунду,

то

вы

переусердствовали.

Особенное

внимание

следует

уделить

гармонической педали. При ее написании не следует использовать параллельные

трезвучия,

соблюдайте

плавность

голосоведения,

и

тогда

вы

получите

целую

мелодическую

линию.

Гармонию

можно

украсить,

используя

различные

септаккорды, нонаккорды.

Говоря

об

аранжировке

следует

сказать

и

о

таком

явлении

как

звукорежиссура. Интерактивный принцип музыкального творчества качественно

изменил облик современной музыки. Из технически необыкновенно трудоемкой

деятельности немногих посвященных, имевших доступ к редкой, дорогостоящей

аппаратуре, данный жанр превратился в достояние любого музыканта – будь то

профессионал

или

любитель.

Электроакустические

условия

распространения

музыки

поставили

ряд

новых

специфических

проблем.

Необходимо

знать

возможности современной электроакустической аппаратуры и научиться грамотно

их использовать (динамический баланс, панорама, частотная коррекция).

Музыкальное

творчество

детей

не

должно

существовать

в

отрыве

от

практики исполнительства. Поэтому важную роль в работе с ансамблем играет

концертная деятельность. Учащиеся, которые постоянно выступают в концертах,

принимают

участие

в

различных

конкурсах

и

фестивалях,

в

конечном

итоге

становятся

более

профессиональными

музыкантами.

Исполнение

на

сцене

подготовленной

в

классе

ансамбля

программы

вызывает

у

них

массу

положительных эмоций. Публичные выступления постепенно превращаются во

внутреннюю

потребность

личности

и

стимулируют

ее

музыкальное

совершенствование.

Ансамблевые

выступления

воспитывают

у

школьников

чувство ответственности за исполняемые в коллективе индивидуальные партии,

заставляют

их

добросовестнее

относиться

к

подготовке

и

к

концертному

выступлению в целом.

Отдельно следует сказать о выборе концертного репертуара. В него следует

включать

яркие,

запоминающиеся

произведения,

которые

можно

оформить

в

законченные

концертные

номера.

Они

удерживают

внимание

слушателей.

Создайте сценический образ коллектива, начиная от внешнего вида и заканчивая

культурой поведения на сцене. Артистизм и выразительное исполнение придаст

выступлению особый блеск и творческую индивидуальность. Каждый из видов

творческой

практики

связывает

обучение

игре

на

инструменте

с

жизнью,

становясь самым действенным стимулом музыкально-творческого самовыражения

детей.

Подводя итог всему выше сказанному, следует сказать, что игра в ансамбле

становится одной из важнейших составляющих процесса музыкально-творческого

развития

школьника.

Она

поддерживает

их

интерес

к

обучению,

развивает

артистизм и эмоциональную свободу, эстетический вкус и творческий подход к

музыкальной деятельности.

Игра в ансамбле в детской музыкальной школе призвана расширить музыкальные

способности учеников, сформировать круг их интересов, развить художественный

вкус. Знакомство учащихся с новыми компонентами современной музыкальной

культуры,

создание

наиболее

благоприятных

условий

обучения

творческому

музицированию

-

вот

основные

задачи

музыкально-творческого

развития

школьников.

Актуальность и новизна предложенной разработки заключается в творческом

подходе

к

обучению

игре

в

ансамбле.

Использование

всех

возможных

инструментальных ресурсов

для создания

ансамблевого коллектива, знаний и

опыта

его

руководителя

значительно

расширяет

творческий

потенциал

музыкальной

школы

и

позволяет

вести

активную

концертную

деятельность.

Обширная

творческая

практика

призвана

связать

обучение

ученика

игре

на

инструменте с жизнью и стать действенным стимулом музыкально-творческого

самовыражения детей.

Список литературы:

1. Баренбойм Л.А. Музыкальная педагогика и исполнительство / статьи и очерки /.

- Л.: Музыка, Лен. отделение, 1974. – 336с. с нот. ил.

2. Баренбойм Л.А. Путь к музицированию. Исследование. Изд.2-е, доп., - Л.:

Советский композитор, 1979. – 352с.

3. Выготский Л.С. Воображение и творчество в детском возрасте. СПб., 1997. -

94с.

4. Гаранян Г. Аранжировка для эстрадных инструментальных ансамблей и ВИА. -

М.: Музыка, 1986. - 146с.

5. Газарян С. В мире музыкальных инструментов. - М.: Просвещение, 1986. - 87с.

6.

Медушевский

В.В.

О

закономерностях

и

средствах

художественного

воздействия музыки. - М.: Музыка, 1976. - 256с., нот. ил.

7. Теплов Б.М. Проблемы индивидуальных различий. - М., 1961.